María Villacorta: “El artista debe concienciar al espectador sobre los problemas actuales”

María Villacorta (Santander, 1991) presentó entre mediados de abril y mayo en la Sala Mauro Muriedas de Torrelavega  “Level”, su primera exposición individual como artista independiente y como parte de la firma XYZ, dedicada a la arquitectura, el diseño y la escultura aplicada. A sus 25 años, ha participado en varias exposiciones colectivas, realizado intervenciones urbanas e impartido talleres de pedagogía del arte en países como Colombia, Italia y España, trabajos marcados por el respeto al medio ambiente y la recuperación de materiales desechados a través del reciclaje como principio creativo.

Un mes y medio después de la clausura de “Level”, nos recibe en su vivienda familiar en Puente Arce, un auténtico refugio donde reflexiona, experimenta y da forma a una obra comprometida con el entorno natural  y su realidad social.

Tus primeros pasos como creadora estuvieron dedicados al diseño de moda, ¿cómo recuerdas esa etapa?

Fue hace ya mucho, la recuerdo como entrañable e ingenua porque luego te das cuenta de que has madurado mucho. Llegué a hacer un curso de moda de una semana en Londres, en la Central Saint Martins, y sentí mucha frivolidad. El tiempo transcurre, uno va encontrándose a sí mismo y se va creciendo.

¿Cómo se produce ese cambio de la moda al arte?

Entré en Bellas Artes para buscarme a nivel creativo, y siendo un mundo solitario, de observación y reflexión, ya desde pequeña me apasionaba la pintura y el dibujo, ahora ya no me veo dedicándome a otra cosa que no sea al arte.  Mi familia no lo veía tan claro, los padres son muy protectores y se preocupan por que seas funcionario, tengas un sueldo fijo y la vida solucionada. Es una época que ya ha pasado, ya no podemos seguir dependiendo de unas oposiciones.

Estudiaste Bellas Artes en Madrid y en 2013 viviste una estancia de Erasmus en Milán, formándote en la Academia de Brera con el artista Gianni Caravaggio como tutor. ¿Qué significó ese año para ti?

Crecí bastante, no sólo estuve en Milán sino también dos meses en Bolonia con  Alberto Rojas, pedagogo musical y además buen amigo. Nos invitó a José (José Luis Zúñiga, arquitecto y compañero en el colectivo XYZ) y a mí a realizar un proyecto en su escuela y más tarde estuvimos en Módica, Sicilia, haciendo una instalación con un grupo de artistas. En verano viajamos a Colombia, hicimos exposiciones en Cúcuta y Bogotá, talleres con 25 artistas locales… nos movimos mucho. En 2013 conocí también al profesor, artista y arquitecto Guillermo Restrepo, que fue un gran amigo y que iba a dirigir mi tesis en la universidad pero al final no pudo ser por problemas burocráticos. Las personas te van conectando. En Milán, los breves diálogos con mi tutor fueron importantes porque empecé a canalizar la experimentación creativa en una obra o proyecto que sea capaz de transmitir conceptos y generar cuestionamientos.

Has participado en varias exposiciones colectivas e impartido talleres de pedagogía del arte en Colombia, Italia y España. En todos estos trabajos se observa una preocupación por el Medio Ambiente y más especialmente por el reciclaje. ¿Cómo afecta esta inquietud a tu trabajo y en qué se plasma?

Lo primero que creo a partir de cero es el soporte de la obra. La preocupación por el Medio Ambiente está en que utilizo el realismo del territorio, sus valores, las interpretaciones que puedan tener lugar y la contaminación que le estamos dando. Mi investigación actual parte del uso de la chapa del bidón como estructura en simbiosis con una “orografía” matérica en celulosa reciclada, combinando lo liviano y frágil con lo pesado y sólido no solo en la técnica sino también en los conceptos. Creo que la preocupación del artista hoy en día no solamente es el daño que le estamos haciendo al planeta sino cómo estamos actuando en relación a los valores humanos, que están invertidos. Estamos destrozando el planeta en base a unos intereses y manipulaciones enormemente egoístas y eso está costando muchas vidas … pienso que de todo eso es de lo que tiene que hablar un artista.

¿Qué es XYZ? ¿Cuál es su actividad?

XYZ es una firma que defiende los valores de la naturaleza y de la recuperación de los elementos, para darles una nueva vida. La fundamos el año pasado entre José y yo para financiar nuestra obra plástica y artística pero no deja de ser un proceso artístico el diseño de  muebles y esculturas, un artista siempre trabaja en función de su entorno, lo que éste le sugiere y adaptándose a él. Obviamente en  Madrid yo no podría hacer todo esto, porque mi espacio de trabajo es mucho más reducido. Estas obras irrepetibles tienen una característica que es  el reflejo del tiempo y la mímesis, tanto en espacios exteriores como interiores. Todo con materiales reciclados, recuperados de la chatarrería, maderas abandonadas, madera de deriva, etc. El diseño ayuda mucho en la percepción del espacio y de la funcionalidad, cómo es el planteamiento de ese proceso de llevar a cabo un objeto que se pueda usar y que pueda ser cómodo partiendo de ese material reciclado, lo cual es difícil pero muy estimulante.

La sala Mauro Muriedas de Torrelavega ha acogido entre mediados de abril y mayo la muestra “Level”, tu primera exposición individual y como parte de XYZ, participando en su comisariado también. ¿Qué balance haces de esta experiencia?

Acabo de salir del nido como quien dice, del estudio más bien, aquí en España aún no había expuesto. Uno cuando sale no cuenta de a priori con un comisario y es una labor difícil para el propio artista porque uno quiere exponer todo su trabajo. Luego tienes que racionalizar el espacio, cómo va ir colocado, cómo entra el espectador, qué circulación va hacer por la sala, qué perspectivas va tener de una u otra pieza, cómo vas generando las sombras si son esculturas, qué discurso quieres generar según la disposición… es bastante complicado en ese sentido. Estoy contenta con “Level”. Al no haber sido un espacio expositivo diáfano, ha sido un reto y por ello era difícil adaptar el montaje para que las obras fueran las protagonistas y no la sala. Me ha hecho aprender de la arquitectura del espacio y también para la siguiente en Comillas, que tendrá lugar en un pequeño claustro, un espacio en piedra con arcos en los cuatros lados, y tendré que adaptarme a ese espacio.

En “Level”, además de esa búsqueda del equilibrio entre el ser humano y el territorio natural que habita, reivindicas una problemática social como es la crisis de los refugiados en Europa. ¿Qué se puede hacer desde el arte para contribuir a la lucha contra esas problemáticas sociales y medioambientales?

El objetivo es intentar concienciar al espectador sobre los problemas actuales, aunque no es una constante en el arte contemporáneo. El artista tiene una responsabilidad, que en mi opinión es dar a conocer esta mala gestión del ser humano sobre el planeta y proponer una solución urgente en esa reconciliación. Desde el arte habría que empezar por el ámbito educativo y estimular a  la creatividad y a la participación. Estamos dando un mal uso a la tecnología y la permeabilización de cantidades ingentes de imágenes nos está insensibilizando, cada vez que vemos algo en la pantalla sobre guerras o conflictos nos parece ficción, una escenografía, lo cual no ayuda a luchar contra esos problemas.

¿Cuáles son tus planes de futuro?¿Estás trabajando en algún proyecto actualmente?

En agosto viajamos José y yo a Estocolmo. Nos han invitado unos amigos que conocieron nuestro trabajo a través de las redes sociales y serán quince días de residencia artística o workshop con artistas de diferentes países. A la vuelta, el 2 de septiembre inauguramos una exposición en El Espolón de Comillas. Además, estoy trabajando en un proyecto ligado a los problemas del Mediterráneo y a su uso como vía de transporte o escape y al mar en sí mismo, como espacio que todavía conmueve al ser sensible. Y por otro lado seguir con la evolución de XYZ llevando lo diseños del papel a la realidad.